litceysel.ru
добавить свой файл
1


Серия: «Прогулка по Брестскому художественному музею»

Музейное занятие:

«5-й зал»


Пыско Стэлла Борисовна (Республика Беларусь, г. Брест)


«Грустен и весел вхожу, ваятель,

в твою мастерскую:

Гипсу ты мысли даёшь,

мрамор послушен

тебе:

Сколько богов, и богинь,

и героев!

Вот Зевс

громовержец,

Вот исподлобья глядит,

дуя в цевницу1, сатир.

Здесь зачинатель Барклай,

а здесь совершитель

Кутузов.

Тут Аполлон – идеал,

там Ниобея2

печаль…»

А.С. Пушкин

У входа в залы искусства графики расположено скульптурное изображение Франциска Скорины. Это модель величественного восьмиметрового памятника, который будет установлен на одной из площадей Минска. Автор скульптуры Алесь Дранец отлил ее из силумина3. Многих художников-скульпторов вдохновил на творчество образ Скорины. Вы знаете памятник работы А. Глебова, воздвигнутый в 1974 году в Полоцке, на родине Франциска Скорины. С большим постоянством и настойчивостью отмечал Скорина во всех своих изданиях свое полоцкое происхождение: «Выложены доктором Франциском Скорининым сыном из славного града Полоцка». На основе гравюрного4 портрета из «Библии» создал погрудное изображение молодого Скорины в докторской мантии Платонов Ю.А., белорусский скульптор. Бюст находится в Центральной библиотеке в городе Солигорске. В 1924 году З.И. Азгур5 выполнил скульптурный портрет Скорины, который был установлен в Витебском краеведческом музее. В 1960-1970 гг. скульптор В. Хмызников выполнил несколько портретов просветителя (гипс, терракота6). Есть сведения, что первый скульптурный портрет Скорины выполнил Дроздович Язеп Нарцизович (1888-1954), белорусский график, живописец, скульптор. Он выполнил его в 1910 году, а в 1917 передал это произведение поэтессе К. Буйло. Дальнейшая судьба его неизвестна.


Франциск Скорина – выдающийся деятель белорусской культуры XVI века, основатель белорусского и восточнославянского книгопечатания.

Ученый, писатель, переводчик и художник, доктор философии и медицины, гуманист и просветитель, Ф. Скорина оказал значительное воздействие на развитие многих сфер белорусской культуры.

Жизненный путь Ф. Скорины во многом показателен для людей эпохи Возрождения, которых Ф.Энгельс назвал «титанами по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености».

Богатство личности Ф. Скорины ставит его рядом с такими выдающимися людьми эпохи Возрождения, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Томас Мор, Томас Мюнцер, Эразм Роттердамский и другими, а белорусскую культуру, на ниве которой он трудился, - вровень с культурой европейской.


Графика 40-50-х годов ХХ века


С произведениями графики человек сталкивается в течение всей своей жизни. Рисунки и гравюры, представляющие самостоятельные, законченные по мысли произведения искусства, шрифт в книге и на плакате, книжные иллюстрации, плакат, почтовые марки, журнальные иллюстрации и газетные карикатуры, упаковки для разнообразных товаров, различные этикетки, театральные и киноафиши, дорожные и товарные знаки и даже деловые бланки учреждений – все это произведения станковой и прикладной графики.

Что же такое графика?

Само слово «графика» происходит от греческого graphike, от grapho — пишу, черчу, рисую. Итак, графика, - это прежде всего рисунок, искусство линейное, строгое, основанное на сочетании белого и черного, причем белым является бумага, а черным – и карандаш, и уголь или другой «сухой» красящий материал. Рисунок может быть воспроизведен во многих экземплярах при помощи различной техники, как рукотворной, так и машинной. Поэтому графику можно разделить на 2 вида: непосредственный рисунок на бумаге и печатная графика.

Можно предположить, что рисунок был наиболее древним видом изобразительного искусства, если вспомнить наскальные рисунки первобытного человека. Конечно, рисунок развивался параллельно со скульптурой и прикладным искусством и зачастую составлял их органическую и необходимую часть. Как самостоятельный вид искусства рисунок существует с конца XV – начала XVI вв. Ранее к нему относились как к подсобному, подготовительному материалу при работе над картиной, скульптурой, фреской, гобеленом. Затем он приобрел самостоятельное художественное значение, как и другие станковые виды искусства. В процессе исторического развития в рисунок (так же как и в печатную графику) активно стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками – и пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками – акварелью и гуашью.


В крупнейших музеях мира бережно сохраняются как быстрые наброски, так и тщательно проработанные сложные рисунки, зачастую являющиеся прообразом будущих картин и монументальных росписей.

Рисунок, выполненный художником в одном экземпляре, - произведение уникальное. Печатная графика позволяет воспроизводить рисунок в большом количестве экземпляров. Основным видом печатной графики является гравюра (на дереве, металле, камне).

В качестве графика представлен на выставке художественного музея Чурабо Николай Дмитриевич работами «Автопортрет
», «Портрет жены», «Вид на Драматический театр со стороны улицы Буденного». У художника целая серия портретов жены Татьяны Владимировны. Он запечатлел ее совсем юной, а также зрелой женщиной и пожилой дамой. В музее представлен так называемый двойной портрет: автопортрет художника и портрет жены художника. Как в жизни они всегда были вместе, так и в музее неразлучны.

Рисунки Чурабо отличают поразительное сходство с натурой и умелая передача характера портретируемого. В работах Чурабо перед вами всегда образ – любимой и любящей жены, шаловливого ребенка, бравого солдата, рабочего, строителя, коллег-художников, - всех и каждого в своей индивидуальности и непохожести.

По работам Чурабо можно изучать рисунок, как предмет. Его рисунки помогают выявить соотношения различных частей предмета, показывают распределение света и тени на поверхности.

В живописи главное выразительное средство – цвет, в рисунке – линия. Она выполняет изобразительную функцию и имеет собственный декоративный ритм. Она может быть то плавной, круглящейся, мелодичной, то угловатой, ломаной, жесткой. С этим связана и особая выразительная функция каждой линии: она передает то или иное чувство, настроение. Н.Д. Чурабо умело использовал эти особенности линий. Какой певучий музыкальный характер приобретает линия в его рисунках!


В зарисовках, набросках, рисунках, живописных полотнах Н.Д. Чурабо сохранил для нас Брест строящийся 40-50-х, улицы и здания 60-х, 70-х годов.

Работа «Вид на Драматический театр со стороны улицы Буденного» исполнена в технике литографии7. Это вид плоской гравюры, печатной формой для которой служит камень-известняк особой породы. Литография появилась сравнительно недавно - в 1798 году и получила широкое распространение. Характерны для литографии широкие, мягкие, бархатистые линии, глубокий черный тон.

Работа выполнена еще до реконструкции театра и запечатлела его в прежнем виде. История этого здания неразрывно связана с историей города, с его общественной и духовной жизнью, с его культурой. Первые попытки открыть профессиональный театр были предприняты сразу же после присоединения Западной Белоруссии к СССР. Такое решение принял обком 2 января 1939 года. Организовалось 2 театра: русский – в помещении клуба «Свет» и еврейский – в театре Сарвера. Обе труппы формировались из местных сил. В 1940 г русский драм. театр начал свою работу. Труппу его образовали выпускники Гитиса под руководством Тарханова. «Мещане» Горького и «Любовь Яровая» - первые спектакли и первые гастроли в Белостоке и Гродно. Жизнь этого театра оборвалась в 1941 году во время гастролей в Пинске – с началом войны. Актеры разошлись по фронтовым бригадам. 9 октября 1944 года было принято постановление СНК БССР об образовании в Бресте Государственного ТЮЗа им. Крупской. В первой половине 1945 года театр переименовали в Государственный театр им. ЛКСМБ. 13 октября 1945 года в Брест приехали выпускники Московского театрального училища. Они жили и работали в небольшом одноэтажном здании, которое находилось во дворе разрушенного театра. На одной половине его оборудовали маленькую сцену и зрительный зал с деревянными лавками на 150 мест, на другой – примитивные мастерские и жилые помещения. Зимой здание промерзало насквозь, и молодежь назвала его «зимним дворцом» за толстый слой инея на стенках. В 1947 году было восстановлено разрушенное здание, которое и стало театром им. ЛКСМБ.


Константин Иванович Перепелица, старейший актер театра, заслуженный артист БССР, в книге воспоминаний «Галера святых и грешных» пишет о создании театра, о первых актерах и театральных режиссерах, которые сделали театр «Его величеством», которые «строили» театр своими ролями и были его славой и гордостью: Асторина Александра Павловна, Самаров Алексей Максимович, Кочеткова Анна Васильевна, Юркевич Сергей Петрович, Абрамов Максим Павлович, Уксусов Борис Васильевич, Власов Юрий Иванович, Гончаренко Надежда Матвеевна, Токарев Геннадий Борисович, Заренок Татьяна Филипповна, Семичева Роза Николаевна, Лисовский Владимир Владимирович, Евдошенко Сергей Иванович… - это основоположники Брестской театральной школы, творчество которых, – подлинная история театрального искусства. Именно они когда-то вдохнули в театр жизнь, заставили жить литературных героев. Эти мастера учили искусству видеть, думать, перевоплощаться, каждый раз создавая индивидуальные неповторимые образы.

Что такое театр для зрителя? Это тревожащее соприкосновение со сценой, попадание под воздействие незнакомой и властной энергии, перехлестывающей через рампу. Работу актера можно сравнить с работой художника. Актер создает, творит, «рисует» образ и предупреждает зрителя, как писал Уильям Блейк8 «посредством глаза, а не глазом смотреть на мир умеет разум». В работе актера и художника нет ничего случайного. Здесь играет роль все: у художника – размер и формат картины, способ расположения на полотне (композиция), рисунок, цвет и многое другое. Все это составляет выразительные средства живописи.

Картину мало видеть, ее надо понимать. Искусство – это не столько интеллектуальный опыт человечества, сколько опыт чувственный. Классическое искусство отражало реальный мир в зрительно знакомых образах. Как говорил Леонардо де Винчи: «Искусство есть зеркальное отражение мира». Пророчески прозвучали слова Пабло Пикассо9 по отношению к искусству XX века: «Я передаю мир не таким, каким я его вижу, а таким, как я его ощущаю». Современное искусство – это поиск новых форм, это импровизации и интерпретации, это тончайшая стилизация. Художники и актеры заставляют нас буквально представить себе великолепный и убогий, смеющийся и мрачный, сверкающий весельем и гнетущий своей безысходностью мир. Эти образы вмиг обрушиваются на сознание, как бы мы ни сопротивлялись. Такова магия однажды увиденного и прочувствованного искусства. Перед нами мысленным взором словно восстают из небытия, будто выходят из рамок нашей памяти лики позабытых героев, образы прекрасных женщин, суровые лица предков.


Леонтий Андреевич Довбуш родился 1 сентября 1935 года в с. Поповцы Винницкой области. С 1959 по 1962 гг. учился на факультете рисунка и живописи Всесоюзного заочного народного университета искусств им. Н.К. Крупской в Москве. Работал в области сценографии, станковой живописи, графики. С 1957 по 1963 год был руководителем изостудии Кобринского Дома пионеров. С 1963 – старший художник-декоратор Брестского областного драматического театра. С 1968 г. – участник областных, республиканских, всесоюзных и международных выставок. С 1966 г. – член Белорусского Союза театральных деятелей, 1991 – Белорусского Союза художников.

Работая в театре, Довбуш создал целую галерею портретов артистов. В настоящее время они находятся в фондах Брестского областного краеведческого музея. Большой интерес представляют портреты артистов, исполнявших героические роли в пьесе Губаревича «Брестская крепость».

Спектакль «Брестская крепость» начал свое триумфальное шествие в 1953 году. Артисты театра вспоминают: «Это был спектакль-легенда, спектакль-память, спектакль-солдат, который прославил театр имени ЛКСМБ… Это 700 уроков мужества, как бы ни звучало это громко, но это так».

Леонтий Довбуш в своей жизни много путешествовал. Увиденное и вдохновило его на создание графических циклов «Из кубинских перечислений», «Из мексиканского альбома», «По Индии», «Литовские этюды». Любимой Белоруссии он посвятил серии работ «Брестская крепость-герой», «Мое Полесье», «По литературным местам Беларуси». Трагедия еврейского народа во время 2-й мировой войны нашла отражение в цикле «Живи и помни». Часть этих работ находится в Майданеке.

Историческую летопись старого города Довбуш пополнил серией акварелей «Дома старого Бреста». Экспозиция составила более 100 работ. На открытии выставки он сказал: «Я очень спешу жить и поэтому много работаю для людей, для города, в котором я живу».

Довбуша спрашивали: «В чем секрет вашей особенной уникальности по технике графики? Он ответил: «Главное, нужно всегда чувствовать бумагу и краски». Сами зрители писали о его картинах так: «В них доброта и набат трагедии, сопереживание и всплеск музыки!» (из книги отзывов художественного салона «Беларт»).


В музее представлена работа Довбуша «Оттепель». Это городской пейзаж из серии «Дома старого Бреста», выполненный в технике пастели. Сама техника уже предполагает некоторую мягкость в изображении.

Приход весны на улицы города рисует художник в лилово-коричневых тонах, в декоративном колорите. Художник использует насыщенные цвета и цветовые контрасты. В его работе ощущается четкий ритм и гармония, присущие музыке.

В художественном музее представлен портрет замечательного человека, мастера и учителя Михаила Сергеевича Толмачева. Художник родился 6 января 1922 года в г. Новосибирске. Школу закончил с золотой медалью. Поступил в Ленинградский институт инженеров водного транспорта. Закончил только 1-й курс института, когда началась война. Добровольцем, 23 июня 1941 года ушел на фронт. Был направлен в отдельную парашютно-десантную бригаду при штабе Ленинградского, а затем Карельского фронта. Воевал в Заполярье, после тяжелого ранения попал в госпиталь. После выхода из госпиталя закончил курсы младших лейтенантов. Был командирован на Дальний Восток. После войны остался служить в армии уже в чине капитана. Награжден орденами Красной Звезды, Отечественной войны 2-й степени и медалями. В 1952 году был переведен в Брест. Служил в должности начальника штаба батальона, танкового полка, принимал участие в испытании атомного оружия на Тоцком полигоне в Казахстане. В 1956 году демобилизовался и пришел на работу в Брестский городской Дом пионеров. Заочно закончил художественно-графический факультет Московского педагогического института (с отличием).

Более 20 лет М.С. Толмачев проработал в Брестском Доме пионеров. Почти 8 лет – в Брестском инженерно-строительном институте на кафедре рисунка и истории искусства в должности доцента. Уйдя на пенсию, он создает изобразительную студию при областном Дворце культуры профсоюзов. За короткое время, благодаря активной выставочной деятельности, участию в областных, республиканских, союзных и международных конкурсах, студии было присвоено звание Народной детской изостудии. М.С. Толмачеву присвоили звание Заслуженный учитель БССР.


У М.С. Толмачева была совершенно особенная манера работы с детьми. Это целая система Толмачева. Он в каждом ребенке видел собственное «я», уважал его достоинство, его творения. Не признавал отрицательных оценок и работал очень корректно, чувствуя душу каждого ребенка. Дочь художника, Галина Михайловна, в биографии своего отца писала так: «Делом всей жизни папы стало детское изобразительное творчество. Благодаря его работе по популяризации именно детского изобразительного искусства было принято решение на уровне Министерства образования о создании средних художественных школ, общеобразовательных школ с художественным уклоном, художественно-графических факультетов в педагогических институтах во всех областных центрах Белоруссии».

У Михаила Сергеевича Толмачева много достойных учеников – замечательных педагогов, художников, архитекторов. Они помнят его и чтят его имя. 24 ноября 1998 года Толмачева не стало, но студия его живет. Дело его продолжает дочь Галина Михайловна, архитектор по образованию.

Портрет Михаила Сергеевича Толмачева, представленный в музее, написал Владимир Тулупов, ученик Толмачева. Работа выполнена тушью, в оригинальной технике пуантилизма10. Это художественный прием, когда пишут раздельными четкими точками или мелкими квадратиками. Восприятие образа рассчитано на оптическое смешение в глазу зрителя. На портрете художник изобразил фигуру ангела, склоненную к коленям художника. Это символ любви и признательности учителю за его труд, за мастерство, за бескорыстную добрую душу.

В музее представлена работа Толмачева - «Натюрморт с яблоками». Изучая работы Толмачева, можно провести целое занятие по искусствоведению. Искусство натюрморта11 как жанр появилось в Голландии в начале XVII века. Художники изображали самые обычные вещи, но показывали их красоту и поэтичность. Тонкостью колористических решений, удивительной человечностью выделяются произведения одного из самых замечательных мастеров натюрморта М.С. Толмачева. Он говорил, что «…через предметы раскрывается не только мир профессии, но и характер человека, владеющего ими. Вещи говорят сами за себя, предлагают полюбоваться красотой их формы, цвета, фактуры и даже ощутить аромат цветов и яблок». «Натюрморт» в переводе с французского – мертвая природа. Так в XVIII веке называли неодушевленные предметы. Такие «предметы» и писали художники, специализировавшиеся на их изображении. Однако вряд ли можно представить себе что-либо более одушевленное, нежели фрукты, стаканы, бутылки, кастрюли. Это не мертвые, а одушевленные вещи, сделанные из столь же совершенной и тонкой материи. Для художника не существует принципиальной разницы между предметом одушевленным и неодушевленным. Предметы можно располагать по своему усмотрению, их можно раскладывать в том порядке и в таких сочетаниях, которые наиболее желательны для живописца. Составляя натюрморты, М.С. Толмачев уточнял не только композицию изображения, но и цветовую композицию. Из всех красок он отдавал приоритет пастели.


Пастель по техническим свойствам принадлежит к области графики (рисунка), однако при этом она обладает и яркими живописными качествами. Пастель (от слова «паста» - кашица) – не краска, а мягкие цветные карандаши, в состав которых входят минеральный краситель, мел и связующее вещество. Рисунки, выполненные такими карандашами, могут быть необычайно живописными. Пастель – какая? Бархатная, мягкая, показывает объем, светотени, реально передает предметы.

Почему М.С. Толмачев так часто обращался к жанру натюрморта? Работая с детьми, он понимал, что они начинают познание окружающей действительности именно с близких и доступных вещей, с предметов, которые их окружают в обстановке жилища. В настоящее время многие психологи, методисты, педагоги тщательно изучают этот аспект. Н.Р. Жигамонт – преподаватель кафедры художественного и педагогического образования Белорусского государственного педагогического университета подтверждал, что «ребенок с самого раннего возраста постигает разницу внешнего облика, цвета, фактуры, а также назначение предметов, окружающих его. Опыт общения ребенка с материально-предметным миром должен быть не только богат и разнообразен, но и эмоционально окрашен. Сохранить это эмоционально-отзывчивое отношение к окружающей действительности, сформировать в ребенке художественный вкус и способность понимать подлинную красоту предметов представляется важным не только с точки зрения художественного образования в школе, но и с точки зрения полноценного общеэстетического развития личности ребенка. В этом смысле знакомство детей с натюрмортом является единовременно источником их нравственного, познавательного и художественно-творческого развития».

По мнению педагогов и психологов, натюрморт – это первый жанр изобразительного искусства, с которым следует знакомить детей; натюрморт позволяет использовать собственные наблюдения и впечатления, создавать творческие композиции на заданную или свободную тему. Это способствует развитию их фантазии и воображения, а также приучает замечать вокруг себя все нарядное, выразительное, необычное, привлекает внимание ребенка к художественно-эстетическим качествам окружающей среды.


В работе Александра Александровича Алонцева звучит тема родного города. Его картина так и называется: «О моем городе».

Александр Александрович родился в Бресте в 1941 году. В 1963 году окончил художественно-графический факультет Витебского педагогического института. В 1979 г окончил Украинский полиграфический институт им. И. Федорова во Львове. С 1975 года участвует в областных, республиканских и всесоюзных выставках и конкурсах плакатов. В 1976 году организовал и открыл в Бресте детскую художественную школу, в которой работал директором. С 1991 года – член Белорусского Союза художников. С 2002 года перешел на преподавательскую работу. Его работы находятся в Национальном художественном музее, частных коллекциях Беларуси и зарубежных стран.

В художественном музее Бреста представлена работа Алонцева в технике акварели. Научный сотрудник художественного музея Татьяна Николаевна Плиско, обращая внимание на картину Алонцева, всегда подчеркивает, что «акварели Алонцева отличает глубокая цветовая насыщенность, композиционная объемность, прозрачная легкость».

Акварель12 – один из самых поэтичных видов живописи. Лирическую, полную светлых и ясных образов литературную зарисовку или новеллу часто называют акварель. С ней сравнивают и музыкальное сочинение, чарующее нежными, прозрачными мелодиями.

(Предлагается для прослушивания «Акварельный вальс» И. Штрауса).

Акварелью можно передать безмятежную синеву небес, кружево облаков, пелену тумана. Она позволяет запечатлеть даже кратковременные явления природы. Акварели доступны и произведения со сложными композициями, такими, например, как работа Алонцева «О моем городе».

В одной картине художник объединяет все символы города Бреста: железнодорожный вокзал, городище древнего Берестья, Холмские ворота крепости, зеленые аллеи городских бульваров… Все краски теплого радужного цвета присутствуют в работе. Акварель воздушна, прозрачна и светоносна.


В музее представлена и акварельная работа Леонида Соловьева «Весенний мотив». Произведение выполнено в живописной манере. Краски яркие, поющие, ликующие.

На одной из выставок редактор «Брестского курьера» Н. Александров очень образно высказался о работах Соловьева: «Когда смотришь на картины Соловьева, слышишь пение соловья. Птицу не видишь, а пение слышишь…»

Художник Леонид Соловьев родился в 1936 году на Вологодчине. С 1945 года жил в Бресте, учился в студии П.А. Данелии. В 1958 году окончил Крымское художественное училище им. Н. Самокина, а в 1984 г – отделение книжной графики Украинского полиграфического института им. И. Федорова во Львове. Работает в области акварельной живописи. С 1962 г - участник областных и республиканских выставок. С 1989 г. – член Белорусского союза художников.

Василий Иванович Соболевский представлен в зале графического искусства произведениями «Майские березки», в технике пастель и «Ветреный день». Если вы повнимательнее рассмотрите картину «Ветреный день», то увидите, как умело художник использует фактуру наждачной бумаги. Переливающие частички абразивного материала бумаги напоминают паутину уходящего бабьего лета.

Владимир Владимирович Старчаков – участник областных и республиканских художественных выставок с 1935 года. Родился он в 1911 году в селе Рочань Харьковской области. В 1930-1936 гг. учился в Харьковском художественном институте. Работал художником-постановщиком в театрах Харькова, Воронежа, Ярославля, Орла, Бреста. С 1950 г. занимался станковой и монументально-декоративной живописью, художественным оформлением интерьеров административных зданий и музеев. С 1960 г – член Белорусского Союза художников. Работа «Вечер над озером» выполнена гуашью13. Работа имеют матовую, бархатистую поверхность. Но при использовании гуаши возникают свои трудности – краски после высыхания быстро светлеют. Требуется немалый опыт, чтобы предугадать степень изменения тона и цвета. Очень часто гуашью выполняются плакаты, эскизы театральных декораций, декоративно-оформительские работы.


Картина «Вечер над озером» написана в декоративном колорите. Солнце растворилось в голубом небе, посылая озеру свои последние лучи. Они отражаются на поверхности синей воды уходящей вдаль дорожкой, соединяющей два берега. Еще мгновение, и пропадет водная дорожка, а над озером опустится ночная мгла.

Продолжает тему пейзажа в экспозиции Кебец Михаил Иванович. Основная тема его творчества – природа Полесского края, его достопримечательности. Что же отмечает работы Кебеца в целом? В чем их индивидуальность? «Кебец – реалист по натуре. Он всегда стремится дойти до сути явления. Отличительная черта его работ – подлинность… Берет простой мотив, обыгрывает его и создает произведение искусства», - говорит о его работах И.Н. Тарима, искусствовед. Николай Маевский с Михаилом Кебецом вместе когда-то делили мастерскую, вместе работали, один у другого учились. Вместе путешествовали по любимым местам Полесья. «Он в своих полотнах отражается сам, как в зеркале. Его индивидуальность в правдивости изображения, натуры… Как точно он передает состояние природы – утро, день или вечер. По его работам можно изучать искусство светотени», - говорит Николай Маевский.

В музее представлена работа художника «Полесская церквушка». Это изображение церкви Рождества Богородицы в деревне Суббота Дрогичинского района. Церковь построена в 1797 году и является памятником архитектуры. Картину отличает богатство цветовой гаммы, глубина голубых теней, воздух наполнен солнечным цветом. Правдиво и живописно передает мастер красоту полесского края. Михаил Кебец родился в 1949 году в Гомельской области. С 1966 по 1968 гг. учился в Каунасском техникуме прикладного искусства. В 1970-72 гг. – в Минском художественном училище им. А.К. Глебова. Работает в области пейзажной акварели, живописи. С 1994 года – участник областных, республиканских, ряда зарубежных выставок. С 1994 года – член Белорусского Союза художников.


Гурщенков Николай Игнатьевич работает в Бресте с 1991 года. Окончил Белорусский театрально-художественный институт, отделение графики. Работает художником в Брестском областном краеведческом музее. В экспозиции представлена его графическая работа «Алеся. Портрет дочери». Интересна техника исполнения работы – соус. Соусом раньше называли особый мел. Цвета его – черный, серый и коричневый. Соусом рисуют либо так же как мелками или сангиной14, либо, измельчив в порошок, наносят на бумагу сухой щетинной кистью, прорисовывая затем детали карандашом «ретушь» или черным карандашом. При «мокром» способе порошок соуса разводится водой, и рисунок выполняется щетинной или акварельной кистью. В этом случае техника исполнения близка к однотонной акварели. Высохшие поверхности хорошо высветляются резинкой. По высохшему соусу можно прорисовать детали черным карандашом.

Когда смотришь на этот портрет, создается ощущение, что эта маленькая девочка откровенно рассматривает вас.

Почти каждый человек в начале своей жизни таит в себе талант художника. Большинство детей охотно рисуют. Они особо ярко видят окружающий мир и самобытно, с поражающей откровенностью изображает перед нами жизненную новь, со свежестью и остротой, равной, пожалуй, по своей бескомпромиссности лишь первым наскальным рисункам, нанесенным на стены пещер человеком. У многих эта детская тяга к рисованию остается как воспоминание о первой любви, о каком-то волшебном ощущении яркого видения мира и проявляется потом в течение всей жизни в трепетном желании глядеть на прекрасные картины и скульптуры, ходить в музеи и на выставки. Может быть, потому любовь к искусству – удел многих миллионов людей, и эта жажда красоты поистине неутолима.

Девочка, изображенная на листе, сохранит свою любовь к искусству, став профессиональным художником.

Художник Матисс15 много размышлял о тайне живописи. Вот что он писал: «Нужно смотреть на мир глазами ребенка! Для художника творчество начинается с видения. Видеть – это уже творческий акт, требующий напряжения, усилия, нужных для того, чтобы освободиться от образов – стандартов. Усилие требует определенного мужества, и это мужество абсолютно необходимо художнику, который должен видеть все так, как если бы он видел это в первый раз. Он должен смотреть на мир глазами ребенка, ибо утрата этой способности видения одновременно означает для художника утрату всего оригинального, то есть личного в выражении.


Возьмем пример. Я полагаю, что для художника нет ничего труднее, чем писать розу; но создать свою розу он может, лишь забыв обо всех розах, написанных до него. Первый шаг к творчеству состоит в том, чтобы увидеть истинный облик каждого предмета, а это требует постоянного напряжения.

Творить – значит выражать то, что есть в тебе».

Коньков Михаил Корнилович родился в 1947 году в Удмуртии. В 1966 году закончил Кунгурское профессионально-техническое училище по специальности резчика по художественной обработке камня. Работает в области комплексного художественного проектирования и оформления интерьеров и экстерьеров, музейных экспозиций (является соавтором архитектурно-художественного решения музея «Спасенные художественные ценности»), монументально-декоративной живописи в плакате, станковой живописи и графике. С 1962 по 1972 гг. работал методистом по изобразительному искусству в Брестском областном Доме народного творчества, с 1972 по 1977 гг. - художником– лавным оформителем на предприятиях Бреста, с 1991 г – главным художником на брестском комбинате «Мастацтво», с 1995 г. – председателем правления брестской областной организации Белорусского Союза художников. С 1994 г. – член Белорусского Союза художников. Его произведения находятся в частных коллекциях Беларуси, Польши, Германии, Аргентины, Израиля, Франции. С 1994 года Коньков руководит творческой мастерской «АРТ-М».

Михаил Коньков часто применяет в своих картинах комбинированную технику. Его работы отличает философский взгляд на предметы окружающего мира.

Когда-то Пабло Пикассо писал: «Не глуп ли художник, если он имеет только глаза, или музыкант, если он имеет только уши?..»

Образы, создаваемые Коньковым – объемны, они заставляют думать, ассоциировать, проводить аналогии. Его работы «Розы», «Знойное лето», «Рыбачка Соня», «Ангел» еще раз подтверждают, что видение мира и способы обращения с материалом могут быть различны, как различны люди и эпохи.


Цвет в его работах – не заключительный аккорд, а начало поисков. Кроме цвета у него есть и свет, как активный и важный участник действия. Цвет и свет активно работают над созданием образов.

Портреты Миколы Прокоповича и Ларисы Добродомовой возвращают нас в школу старых мастеров.

Данелия Петр Алексеевич – прекрасный мастер портретного жанра. Когда смотришь на портреты его работы, вспоминаешь Мане16: «Передавая лицо, ищите большие световые и теневые плоскости… Все остальное естественным образом добавится…»

Лариса Добродомова – талантливый журналист, в настоящее время возглавляет Брестское телерадиообъединение. Ее портрет – это краткость, предельный отбор, простота и классическая точность рисунка и цвета.

Николай Николаевич Прокопович – поэт и журналист. Автор цикла «Белая вежа», что вошел в коллективный сборник «Нашчадкi», сборники стихов «Неад’емнае» и «На кругi свае». С 1972 года работает в редакции литературно-художественных программ и музыкальных передач Брестского телерадиообъединения. Николай Прокопович – автор и ведущий телевизионных проектов «Наш край», «Это было с нами». Им подготовлен целый цикл программ о художниках, артистах, музыкантах Брестчины, о культурно-историческом наследии нашего края.

Художник Петр Алексеевич Данелия представляет портрет Прокоповича как утонченный лирический образ поэта-творца.

«Лампу погашу. Присяду.

Вытру запотевшее окно.

Ходит осень тихая по саду…

Как же не писалось мне давно!

Лето промелькнуло – не заметил –

Кадрами зеленого кино.

Что прошло – то пущено на ветер?

Как же не писалось мне давно!

В суете извечной, на пределе,

Все бегу куда-то по земле.

Сколько поменялось, в самом деле!

Тихо лист белеет на столе…»

М. Прокопович.

***

«Искусство – значит поэзия.

Без поэзии не может быть искусства».

Э. Делакруа17


1 Цевница - русский и украинский духовой музыкальный инструмент. Тип флейты Пана. Флейта Пана (англ. panpipes), название ряда древних духовых музыкальных инструментов, представляющих собой набор параллельно расположенных, скрепленных между собой продольных одиночных флейт различного размера. Флейта пана встречается под различными названиями у многих народов мира — греческий сиринкс, русские кувиклы (кугиклы, цевница), грузинская ларчеми (соинари), литовский скудучяй, молдавский и румынский мускал, най и др.

2 НИОБА (Ниобея), в греческой мифологии дочь Тантала, супруга фиванского царя Амфиона. Гордясь многочисленным потомством (12, 14 или 20 детей), Ниоба оскорбила хвастовством богиню Лето (Латону ) — мать Аполлона и Артемиды. За это дети Лето стрелами из лука убили всех детей Ниобы, а сама Ниоба окаменела от горя.

3 СИЛУМИН, легкий литейный сплав на основе алюминия для изготовления изделий сложной конфигурации.

4 ГРАВЮРА (франц. gravure), вид графики, в котором изображение является печатным оттиском рельефного рисунка, нанесенного на доску гравером. Оттиски также называют гравюрами. В Европе возникла на рубеже 14-15 вв. Различают гравюру выпуклую, когда краска покрывает поверхность выпуклого рисунка [как правило, это гравюра на дереве (ксилография) или на линолеуме (линогравюра)], и углубленную, когда краска заполняет углубления (преимущественно гравюра на металле: акватинта, меццо-тинто, мягкий лак, офорт, пунктирная манера, резцовая гравюра, сухая игла и т. д.). Наряду со станковыми гравюрами (эстампами) распространена книжная гравюра (иллюстрации, заставки и т. д.).



5 АЗГУР Заир Исаакович (р. 1908), российский скульптор, народный художник СССР (1973), действительный член АХ (1958)

6 ТЕРРАКОТА (итал. terrа cotta, букв. — обожженная земля), неглазурованные керамические изделия с пористым черепком (обычно красного, коричневого, кремового цвета): облицовочные плиты, архитектурные детали, посуда, вазы и т. д. Известна с эпохи неолита.


7 ЛИТО... (от греч. lithos — камень), часть сложных слов, означающая: относящийся к камню, к горн. породам (напр., литогенез, литография). ГРАФО... (от греч. grapho — пишу), часть сложных слов, означающая: относящийся к письму, почерку, начертанию.


8 БЛЕЙК (Blake) Уильям (1757-1827), английский поэт и художник. Сборники «Песни неведения» (1789), «Песни познания» (1794), «пророческие» поэмы (1789-1820) в мифологических и библейских образах отразили события Великой французской революции и американской Войны за независимость. Для поэзии Блейка, как и для его иллюстраций к собственным книгам и к «Божественной комедии» Данте, характерны романтическая фантастика, философская аллегория.

9 ПИКАССО Пабло (полн. Пабло Руис-и-Пикассо; Ruiz-y-Picasso) (25 октября 1881, Малага — 8 апреля 1973, Мужен, Приморские Альпы), французский живописец, по происхождению испанец. В 1900-х годах («голубой» и «розовый» периоды) создал обостренно-выразительные произведения, посвященные обездоленным людям («Девочка на шаре», 1905). С 1907 основоположник кубизма, с середины 1910-х годов создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ близок сюрреализму. Произведения Пикассо иногда полны боли и протеста, имеют большое общественное значение («Герника», 1937), глубокое гуманистическое содержание (рисунок «Голубь мира», 1947). Много работал как график, скульптор, керамист. Международная Ленинская премия (1962). Международная премия Мира (1950).



10 ПУАНТИЛИЗМ (от франц. pointiller — писать точками), — манера письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной формы.

11 НАТЮРМОРТ (франц. nature morte, букв. — мертвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), посвященный изображению неодушевленных предметов (утварь, плоды, битая дичь, букеты цветов, атрибуты какой-либо деятельности и т. д.).


12 АКВАРЕЛЬ (франц. aquarelle, от лат. aqua — вода), краски (обычно с клеем), разводимые в воде и легко смываемые ею. Основные качества живописи акварелью — прозрачность красок, сквозь которые просвечивают тон и фактура основы (чаще всего бумаги), чистота цвета.

13 ГУАШЬ (франц. gouache), краски, растертые на воде с клеем и примесью белил, а также живопись этими красками. Употребляется преимущественно для живописи по бумаге, шелку и др., дает непрозрачный слой.


14 САНГИНА (от лат. sanguineus — кроваво-красный), 1) карандаши без оправы, красно-коричневых тонов (из коалина и оксидов железа). 2) Техника рисунка с помощью сангины. Известна с эпохи Возрождения.


15 МАТИСС (Matisse) Анри (1869-1954), французский живописец, график, мастер декоративного искусства. Один из лидеров фовизма. Выразил праздничную красочность мира в ясных по композиции, выразительных и чистых по цвету картинах, утверждающих красоту и радость бытия («Танец», 1910; «Красные рыбки», 1911), в витражах, гравюрах, литографиях.

16 МАНЕ (Manet) Эдуар (23 января 1832, Париж — 30 апреля 1883, там же), французский живописец. Переосмысливал образы и сюжеты старых мастеров в духе современности («Завтрак на траве», «Олимпия», обе — 1863), создавал произведения на бытовые, исторические, революционные темы. Работам Мане присущи свежесть и острота восприятия («Завтрак в мастерской», 1868; «Бар «Фоли-Бержер», 1881-1882). Один из основоположников импрессионизма, в 1870-х годах обратился к светлой пленэрной живописи («Аржантей», 1874).



17 ДЕЛАКРУА (Delacroix) Эжен (26 апреля 1798, Шарантон, Сен-Морис — 13 августа 1863, Париж), французский живописец и график, виднейший представитель французского романтизма в изобразительном искусстве. Дух свободолюбия, активного действия, борьбы выразил во взволнованно-напряженных, проникнутых гуманистическим пафосом, динамичных по композиции, экспрессивных, звучных по колориту произведениях («Резня на Хиосе», 1823-1824; «Свобода, ведущая народ», 1830).